Nacionalismo Checo- Antonin Dvorak

Nace en Nelahozeves, un pueblecito cercano a Praga, en 1841 y muere en Praga en 1904; día en que se declaró luto en toda Bohemia. Dvorak es uno de los principales exponentes de la música nacionalista checa y sin lugar a dudas uno de sus músicos más internacionales gracias a sus éxitos en Gran Bretaña y EEUU; es pues por estas razones que en su música se aprecian tanto sentimientos populares checos y eslovacos como atracción por la música norteamericana.

Profesó una profunda admiración por la obra de Schubert y Beethoven en los comienzos de su carrera y no hay que dudar ni un segundo en señalar la impresión de un «sinfonismo» al más puro estilo de Brahms en sus obras. Esto le convierte en uno de los más enérgicos defensores de la llamada «música pura» (música puramente instrumental que es música en sí misma y no está sometida a ningún tipo de significación ni compuesta bajo ninguna otra intención que no sea hablar lo infinito y lo inefable) formando un grupo heterogéneo, al que habría que añadir además de los ya citados, la obra de Schumann y la admiración de los prestigiosos e influyentes críticos musicales Hoffmann y Hanslick; que asentaron con sus escritos y reseñas las bases del pensamiento y opinión sobre la «música absoluta o pura romántica».

Sin embargo, hay que destacar que, como colofón a su carrera musical, Dvorak «cambió de bando» al final de su día y se  destaca la admiración por Wagner y la «música programática» (música que se componía con algún fin: transmitir una situación, describir una historia…) y se dedicó en cuerpo y alma a la composición de óperas.

OBRAS RECOMENDADAS:

– Sinfonía nº 9, «Del Nuevo Mundo» (1893). Fue compuesta durante su estancia en Norte América y es sin duda su obra más omnipresente y la que le ha extendido la fama popularmente hasta nuestros días. Es una sinfonía que no necesita presentación, solamente su audición nos da el pleno significado:

(Filarmónica de Viena dirigida por Karajan)

http://www.youtube.com/watch?v=tmZ25MDvzNU&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=Oo6mcFj_sus&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=-pLIBWyFBIg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=G_JLUmgP574&feature=related

– Sinfonías nº 7 y nº 8: Muchísimo menos conocidas pero no por ello dejan de ser menos maravillosas: escucharlas es una pura delicia, pero sin duda alguna la mejor de las sensaciones se produce cuando se toca:

(Sinfonía nº 7. Dirigida por Daniel Raiskin)

(Contrasta el misterioso inicio de la sinfonía en el primer movimiento con la alegría,  jovialidad y entusiasmo del rítmico tercer movimiento y que acaba culminando con un cuarto movimiento entre tragedia y energía [se nota especialmente este contraste entre los minutos 2:29 y 3:28] . Con respecto al segundo movimiento, en mi opinión  a partir del minuto 2:56  se escucha uno de los momentos más líricos, bellos y agónicos de toda la sinfonía y me atrevería a decir de toda la obra de Dvorak ).

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=A2pS1AOG240

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=_5IpNKGa3xw&feature=related

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=UDtBLRZgk68

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=5TirkVXPGBM&feature=related

(Sinfonía nº 8. Primer  Movimiento.)

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=W5UbrhqdqQE&feature=related

(Destacar de este movimiento el espléndido desarrollo que hace Dvorak de la música que llega a su punto culminante en el coral de vientos metales apoyado por las escalas descendentes de la cuerda [minuto 7:11] y que culmina en el más absoluto silencio. También señalar el majestuoso final que se desencadena a partir de 8:59).

– Serenata para cuerda en Mi Mayor, op. 22. Una de las obras de cámara para orquesta de cuerda más bellas que pueden haberse escrito jamás. Desde el primer movimiento ya nos cautiva, y pasando por el pasional segundo movimiento y el veloz Scherzo del tercero; Dvorak nos lleva al esplendoroso lirismo del cuarto movimiento. El quinto movimiento (es una obra atípica con cinco movimientos en lugar de los tradicionales cuatro) es un continuo drama abarrotado de efectos populares del nacionalismo checo y que hace concluir la obra haciendo un «guiño musical» hacia la melodía del primer movimiento al que añade una intensa Coda.

http://www.youtube.com/watch?v=BI_Htx5n1wc&feature=PlayList&p=6537F1D5D273E825&index=11

http://www.youtube.com/watch?v=Gxqa0WQotT8&feature=PlayList&p=6537F1D5D273E825&index=12

http://www.youtube.com/watch?v=dIGP5Pr0VE0&feature=PlayList&p=6537F1D5D273E825&index=13

http://www.youtube.com/watch?v=vZIkpMmloUI&feature=PlayList&p=6537F1D5D273E825&index=14

http://www.youtube.com/watch?v=sP3xkKZJe3Q&feature=PlayList&p=6537F1D5D273E825&index=15

– Russalka (1901). Como hemos dicho al final de su vida se dedicó en pleno a la Ópera, y ¿cómo no íbamos a señalar uno de sus más bellos triunfos al puro estilo Wagneriano? Como toda ópera hecha siguiendo la estela de Wagner, se caracteriza por la unión de las artes en una: el «drama musical«: palabra, música y acción al servicio de la representación. Es pues así que la sola audición o la audición con lectura de libreto no está completa si no es mediante la asistencia en vivo o la visión de una representación en vídeo. Recomiendo entonces que el primer contacto con este tipo de óperas del Romanticismo más tardío sea total; y nunca parcial, y por esta razón no pondré ningún audio.

Henry Purcell

Nació en Westminster (Inglaterra) en 1659 y murió en el mismo lugar en 1695. Purcell es el mejor compositor inglés de todos los tiempos, al menos el más representativo y conocido; y su estilo contribuyó al asentamiento del barroco en Inglaterra creando las pautas que compositores posteriores usarían en la música inglesa barroca.

Purcell también destaca en la interpretación del órgano de composiciones sacras (él mismo también componía), de hecho se encuentra enterrado debajo del órgano de la Abadía de Westminster que tantos años de su vida tocó.

Es también curioso en Purcell que fue el más significativo compositor de ópera inglesa aunque sin embargo, la ópera estaba prohibida en Inglaterra. Los músicos ingleses evitaban la prohibición con especies de «dramas musicales» que en realidad eran auténticas óperas, pero cambiando simplemente el nombre del género, era eludida la censura de las autoridades.

OBRAS RECOMENDADAS:

– The Fairy Queen (1692). Es una semi-ópera (muy acorde con lo que habíamos dicho antes de que en Inglaterra estaba censurada la ópera propiamente dicha) basada en una adaptación anónima a la comedia de Shakespeare «Sueño de una noche de verano». Esta adaptación se hizo puesto que la comedia de Shakespeare ya tenía entonces unos 100 años y así de este modo se adaptaba a un público «más moderno» (y otra razón era debido a la poca estima que se tenía de Shakespeare y si no se adaptaba el texto, no triunfaría la composición).

– Dido and Eneas (1689). Una ópera sencillamente sublime y que ha pasado a la Historia de la música por su sensacional aria final «El Lamento de Dido». Este aria canta la desesperación de Dido cuando es abandonada por Eneas (ambos personajes de la Grecia Clásica). Musicalmente está basada la parte de «lamento solístico» en un «bajo chacona» (que es un bajo ostinatto que mantiene siempre las mismas notas y misma armonía; p. ej. el bajo del canon de Pachelbel es un bajo tipo chachona)  y ahí se demuestra la brillantez de Purcell como compositor y su exquisitez melódica.

Aclarando el concepto de bajo «chacona» podemos decir que era la forma compositiva más estereotipada que usaban los compositores de Barroco para expresar «lamentos» [El «Lamento della Ninfa» de Monteverdi también contiene un bajo chacona, incluso Bach en su «Credo» de la «Misa en Si bemol» utiliza el bajo chacona para componer la parte dramática que trata sobre la Muerte de Cristo en la Cruz] .

La ópera completa: (hay que escucharla en orden de links [cada link es un acto, son 6 y la ópera completa dura en torno a 55 min], pero yo aconsejo escuchar primero, para saber si te puede gustar la ópera, «El Lamento de Dido» que es el último link. El lamento propiamente solístico que incluye el bajo chacona y empieza con la frase «When I am laid in Earth» se encuentra entre los minutos 1:46-5:07)

http://www.youtube.com/watch?v=oVOMQfTfGmc&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=2rmzWM5vF2o&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=UqWdxeSwQlo&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=m81q1Lp9Xog&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=mtSBPJL5b4w&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=JzWqglTemNg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=w6E-v_U7Xx4&feature=related

 

Como siempre también se puede disfrutar de Purcell en:

http://www.classiccat.net/purcell_h/index.htm

Claudio Monteverdi

Nacido en Cremona (Italia) en 1567 y muerto en Venecia en 1643. Es el ejemplo más claro de músico «bilingüe» de la época: en la transición entre el Renacimiento y el Barroco, Monteverdi destaca por su domino de las dos prácticas de composición: «Prima practica» (polifonía renacentista) y «Seconda practica» (polifonía barroca), y de ahí su bilingüismo. Como tal, destacan sus madrigales (obras renacentistas) y sus obras dramáticas, embrión de las óperas barrocas; género que contribuye a asentar [no en vano muchas veces se suele decir que el Barroco comienza estrictamente con su ópera «Orfeo»].

Decimos que Monteverdi destaca en la transición del Renacimiento (una música muy sujeta a las reglas del contrapunto siendo éste superior a la propia expresividad del autor) al Barroco por su contribución a la mayor libertad en el tratamiento de las reglas del contrapunto, pudiéndose incluso llegar a saltarlas si la expresividad del texto lo requería. Esta opinión que llevó a sus obras le llevó el enfrentamiento con su contemporáneo Giovanni María Artusi que criticó el estilo «moderno» de Monteverdi en su obra: «Las imperfecciones de la música moderna».

La frase: «Musica est ancilla poesiae» (La música es la esclava de la poesía). Como en aquella época la mayor parte de la música era vocal, Monteverdi con esta frase quería acentuar la importancia de la expresividad de los sentimientos en la música.

OBRAS RECOMENDADAS:

– Orfeo (1607). Es la primera ópera de la Historia propiamente reconocida como tal. Recomiendo la versión del director Jordi Savall interpretada en el Liceu de Barcelona. Es muy fiel al estilo de la época pues se interpreta con instrumentos barrocos.

– Madrigales. Es de destacar su colección de ocho libros de Madrigales que son publicados gradualmente a lo largo de toda la vida del compositor (es interesante ver incluso la propia evolución personal del compositor a lo largo de sus obras). Lo más interesante es hacerse con los textos de los distintos madrigales para comprender mejor el por qué de los recursos musicales utilizados en cada pieza (pues están muy vinculados a la poesía como él mismo defendía). Son especialmente bellos los dos últimos libros y yo destaco la versión cantada por el grupo coral «La Venexiana».

Pongo un link donde se puede escuchar algunas muestras de la música de Monteverdi:

http://www.classiccat.net/monteverdi_c/index.htm

(Se puede oir, entre otras, el «Lamento della Ninfa», obra del octavo libro de Madrigales y serviría como «primer reconocimiento» para saber si adentrarse o no en la música de Monteverdi)

Intención

La música también nos invita a reflexionar y es el mejor medio humano para llevar a nuestra alma a la contemplación. Por eso la intención de crear este apartado será la de recomendar música, especialmente la denominada clásica, que no es frecuentemente escuchada y suele ser bastante olvidada.

Consitirá pues en aportar una pequeña información sobre el compositor y recomendar alguna audición de obras suyas.